Mejores películas de la década de los 00 (2000-2009)

Después de dos días de ausencia, hoy publico mi primer ranking de películas. Una lista totalmente subjetiva -como la gran mayoría- de las mejores películas de la década pasada. Cualquiera de estas cinco películas podría estar en el Top 1 perfectamente,  eso dependerá del sujeto, pero he intentado ser lo más crítico posible a la hora de seleccionarlas. En el proceso de selección, he tenido em cuenta muchos elementos como el argumentales, las interpretaciones, el guión, la dirección, la banda sonora, la transcendencia y relevancia de la película… Así que este es mi TOP 5.

5. El Pianista

 

 

 

 

 

 

Esta desgarradora película traspasa los límites del realismo con una atmósfera y una fotografía demoledora. El Pianista es como un cuento de Allan Poeen el cual su inmensa belleza se encuentra en el horror. Un horror que consigue lograr, y de que modo, retratar la peor matanza y época de la historia de la humanidad. Una película que te estremece y te apuñala directo al corazón mientras la cámara de Polanski recorre las ruinas de Polonia.

 

4. El viaje de Chihiro

 

 

 

 

 

 

 

Como la fuerza y el cabal de las cataratas del Niagara cae la desbordante imaginación y magia del creador de la obra cumbre de la animación. Miyazaki nos deleita con esta tramposa y enternecedora película que se vanagloria de ser -quizás- la mejor película de animación de la historia del cine. Y razones tiene, pues necestias ser más que un niño para darte cuenta que tienes delante de tus narices el Santo Grial de la animación. Su insuperable uso de la animación tradicional, barroca y ornamentada, sus extraordinarios personajes y quizás la mayor y más deliciosa película de animación la convierten en uno de los pesos pesados de esta década.

 

3. Gran Torino

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Gran Torino” no consta de un presupuesto desorbitado, ni de unos efectos especiales espectaculares, ni de un reparto de estrellas. De hecho, la mayoria de poseen una muy breve carrera, y sin embargo, sus interpretaciones llegan al alma. Y es que “Gran Torino” llega directamente al corazón. La tolerancia, la amistad, el respeto, la igualdad, la vida y la muerte, la compasión… Son algunos de los muchos valores que abarca y defiende esta extraorinaria película.La fotografía en si es muy simple, sin grandes paisajes ni escenarios, pero esta realizada de un modo exquisito. Y es que detrás o delante de las cámaras, Clint Eastwood será siempre Clint Eastwood, y eso es sinónimo de perfección y elegancia.Gran Torino es una de las películas más memoradas y un icono de la filmografía de Clint. Elegante, emotiva, filosófica, cruel, sarcástica, melancólica.

 

2. El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey

 

 

 

 

 

La odisea llega a su fin. Todo lo bueno debería tener un buen final, pero no todas las cosas buenas concluyen de un modo tan soberbio como lo hace ESDLA:ERDR. Mientras los minutos avanzan, la trama va “in crescendo”, mientras la Tierra Media se desmorona y sufre.  Desde la primera entrega, hemos visto a los personajes evolucionar, padecer y soportar. Y a estas alturas el espectador ha forjado unos lazos sentimentales con todos y cada uno de esos personajes, que de un modo será un punto de gran peso en nuestra valoración final. La magistral dirección y la sobresaliente adaptación, las notables interpretaciones por parte de todo el reparto, la poderosa banda sonora digna de la Odisea de Kubrick y la arrolladora fotografía, hacen que esta joya de la literatura fantástica alcance unos niveles de magestuosidad y perfección imprescindibles para todo cinéfilo.

 

1. El Caballero Oscuro

 

 

 

 

 

 

 

Todo mi respeto y admiración hacia esta joya esta en mi anterior crítica: https://naranjomecanico.wordpress.com/2014/03/28/critica-el-caballero-oscuro-la-oscuridad-arraso-con-todo-y-el-horror-reino/ .

Pero en resumidas cuentas, la excelencia de este filme esta en todos y cada unos de los aspectos imprescindibles de una película. Su frenética dirección, sus devastadoras interpretaciones, el chorro de agonía y nerviosismo que destila que va de la mano con la psicodélica banda sonora y la poderosa interpretación de Ledger, la fotografía… Más que digna para encabezar este ranking, ¿no creen?

A continuación,  les dejo mis menciones honoríficas: Million Dollar Baby, Kill Bill Vol.1, Mystic River y Ciudad de Dios.

Finalizo mi entrada con una encuesta. ¿Cuáles son sus cinco favoritas?

¿Hablas conmigo?: Taxi Driver

Taxi Driver ha dividido tanto a la crítica como al público desde su estreno en 1976. Unos consideran a Travis un desorientado moral que presume de ser el salvador de aquella joven prostituta y por lo tanto de héroe. Un héroe que ajustició a tres figuras sospechosas en una sangrienta locura homicida. Pero otros, especialistas, tras un detallado estudio psicológico de Travis, advirtieron un trasfondo cinematográfico magistralmente diseñado y descubrieron que aquel loco homicida era un sociopatológico de los que se encuentran en todas partes. Fíjense en el texto de uno de sus carteles, allí decía : “En cada calle, en cada ciudad hay un don nadie que sueña con ser alguien”.

El espectador y Travis, recorren de la mano unas calles infestadas de bandas callejeras que campan a sus anchas, prostitutas adolescentes a la espera de sus clientes, y publicidad luminosa. Pocas veces se vieron secuencias tan impresionantes de Nueva York. La fotografía es sucia, humeante,  pasa de la luz más estridente a la oscuridad, se alterna entre el enfoque semidocumental y el subjetivo. La banda sonora, la acústica, tiene un papel preponderante en la película. No sólo acompaña la película, sino que da lugar a una unión inmensamente peculiar entre la imagen y el sonido. Fue Bernard Herrmann quién compuso esa mítica melodía. Quizás nunca hayan oído hablar de él y no les suene de nada, pero Herrmann no es ni más ni menos que el compositor de grandes clásicos como: Con la muerte en los talones (1959), Psicosis (1960), Vértigo (de entre los muertos) (1958) y El cuarto mandamiento (1942).

Aquel comienzo, la melancolía y el humo inundan la pantalla. De la nada, un taxi amarillo aparece entre los compases musicales de aquella melodía de jazz. Y el fantasmal taxi, desaparece y tras él, una nube de humo vuelve a cerrarse. La historia de Travis es similar, aparece de la nada, se deja ver brevemente a la luz nocturna, y vuelve a desaparecer en la nada.

Travis, no es un héroe. Naturalmente, la violencia es un tema importante en la película, pero no es precisamente física, sino social. Travis personifica a aquel tipo que se ha perdido en la gran ciudad y que Robert De Niro dotó de un rostro y figura propia inconfundible de un modo psicodélico y fascinante. La cámara de Scorsese es nerviosa, melancólica y rara. Alargando las secuencias para crear esa atmosfera hipnotizante y psicodélica como el The End de The Doors y lograr que el sudor y la angustia traviese la pantalla de nuestros televisores. ¿Quién no recuerda la improvisada escena en la que Travis se planta con el torso desnudo delante del espejo y con el revólver desenfundado se bate contra sí mismo?: “¿Hablas conmigo, me lo dices a mí? ”

Y es que Taxi Driver es una película sumamente inquietante y fascinante, pero también muy arriesgada. La inmortalidad de esta película de culto como una de las grandes del cine es incuestionable, la interpretación acústica y dirección, brillan como nunca para dar lugar a este diamante en bruto que es deber de todo cinéfilo, ser vista al menos una vez en la vida. Una de las mejores películas no sólo de los gloriosos años setenta, sino que también del poderoso dúo de Scorsese, De Niro.

Genios visionarios Vol.1: Quentin Tarantino

Todo empezó en 1992, cuando aquel, por entonces, desconocido Quentin Tarantino estreno en uno de los peores cines de Park City ,que no merece la pena ni mencionar, Reservoir Dogs. Aquella película fue un auténtico boom. El escándalo que creó en el Festival de Sundance no pudo ser mayor. Y es que era un filme decididamente opuesto al espíritu del festival, con su explosión de humor negro nihilista, y tales dosis de violencia, lenguaje soez y virilidad que muchos espectadores no la soportaron hasta los títulos de los créditos finales. Aquella película era tan políticamente incorrecta que no contenía ni una sola frase pronunciada por una mujer, y empleaba la palabra “nigger”(negrata) en quince ocasiones. Además de una escena en la que un ladrón y asesino baila al ritmo de “Stuck in the Middle With You” mientras le corta una oreja a un policía por pura diversión.Aquella película fue tan polemizada que los revendedores empezaron a pedir cien dólares por entrada para los cinco pases del filme.

Pero aquel joven director que llevaba trece años intentando entrar en la industria, fue catapultado al estrellato con aquella película para regresar de nuevo en 1994 con la mejor película de los últimos veinte años: Pulp Fiction. Aquello fueron palabras mayores; el Festival de Sundance quedó atrás para ser aplaudido por el Festival de Cannes y congratulado con el Oscar al Mejor Guión Original.

Y desde entonces, la carrera de uno de los genios innovadores de los últimos tiempos ha ido in crescendo. Con una filmografía exquisita, impecable, sin ninguna película “mala”. Y sobretodo, diferente a todo lo que hemos visto. Película tras película, aquel genio sigue sorprendiéndonos a base de sobredosis de  excelencia y ocurrencia. Pues sus filmes son auténticas delicias con una trama fastuosa, una dirección ágil  y fluida, con una banda sonora mágica y unas interpretaciones,a nivel de reparto, insuperables. Pero lo mejor de sus películas, la crème de la crème, son sus guiones.

Su talento para la narrativa es incuestionable, y cualquier crítica negativa o insulto hacia sus deslumbrantes diálogos, blasfémico. Pues el modo de contar una historia cobró otra dimensión el día en que Tarantino decidió “bendecirnos” con su existencia. Woody Allen debe estar retorciéndose de la envidia. Su humor pseudointelectual y sus diálogos delirantes quedan aplacados y destrozados con tan sólo un debate acerca de la hamburguesa “Cuarto de libra con queso”. Y es que cada uno de sus guiones derrochan originalidad e ingenio en cada frase, en cada discurso y en cada diálogo.

La riqueza de personajes también es otra de las características de sus películas. Quizás nunca hayan visto, ni volvamos a ver, tanta variedad de matices y personajes juntos como sucede en Pulp Fiction. Nunca verán un personaje vacío y superficial, o una interpretación plana. Y si es así, como es en el caso de la saga Kill Bill, es porqué el maestro de la estética no sólo lo ha usado como un recurso artístico, también ha querido que sea así, mostrándonos a una asesina despiadada y -en un principio- sin corazón ni moral.

Si las películas de Tarantino destacan por sus descomunales guiones y por sus increíbles interpretaciones, también lo hacen por una frenética y majestuosa técnica para la dirección y el montaje. Si alguna de sus películas se te hace “lenta” o “aburrida”, tenemos un problema muy grande. Su narrativa viene acompañada por un uso de la cámara realmente mágico y alejado del estilo tradicional. Con una brisa al estilo Segio Leone(una de sus influencias), Tarantino nos deleita en cada una de sus obras, con una técnica tras las cámaras dinámica y diligente, poniendo extremada minuciosidad en cada plano, fotografiando tanto los paisajes como a sus actores a todo color. Y usando los colores oscuros y los blanco y negro como recursos meramente artísticos.

Pasando por la ironía, y el sarcasmo, la crítica social y la violencia desenfrenada, la moral y lo inmoral, lo racional y lo irracional.  Sus películas han hecho y harán que el cineasta cargue en su espalda la controversia del público. Hay quienes lo odian y hay quienes lo aman. Pero lo que todos, los dos bandos, deberían de estar de acuerdo es en que Tarantino es un creador de lenguaje cinematográfico. Y me arriesgaría a decir que a la altura del gran Orson Welles por su técnica e influencia.

Y finalmente, concluyo mi entrada preguntándoles cuales son sus películas favoritas del director. Aquí les dejo una encuesta con un máximo de tres votos.

 

“Con faldas y a lo loco” La reina de las comedias. Análisis Parte 2

Wilder rodó la película, a pesar de las protestas de la diva, en blanco y negro, porque no quería que el maquillaje de Curtis y Lemmon les diera un aspecto ridículo. Cuando terminó el rodaje, todo el mundo tenía la sensación, sabían, que habían logrado algo grande. Pero los productores y ejecutivos del estudio no estaban tan seguros, acusando a una de las mejores comedias de la historia como una “farsa de dos horas” exigiendo un recorte de al menos quince minutos. Pero Wilder se mantuvo rígido y treinta segundos de metraje fue lo único que los ejecutivos lograron que recortara.

El 29 de marzo de 1959 se estrenó en el teatro Loew’s Capitol de Nueva York y Diamond, compañero guionista de Wilder en gran parte de sus películas, recordaba que no funcionó muy bien durante la primera semana. Pero fue la publicidad de boca a boca la que hizo que el público de todo el mundo acabara inundando las salas y las reventara a base de largas carcajadas. Y de este modo, convirtiéndose en la comedia de más éxito hasta la fecha.

Con faldas y a lo loco es una comedia tan hilarante como malvada, con unos diálogos tan ingeniosos, descabellados y ocurrentes a la altura de los genios del surrealismo Monty Python. Encadenando gags con un guión perfecto, delirante, cínico, de ritmo endiablado. En una trama que no se aprecia ni la más mínima gota de presuntuosidad. Metiendo en una coctelera la belleza, la moral, la inteligencia, la riqueza, la honestidad y el amor, y después de agitarlo mucho, obtenemos una comedia loca, inteligente, irónica, que empieza como los fuegos artificiales y continúa soltando chispas hasta el mismísimo final.

El gran discípulo del gran Ernst Lubitsch, juega con toda su baraja poniendo toda la carne en el asadero. Con un humor que se basa en los protagonistas, que se hacen pasar por mujeres, pero en ningún momento dejan de pensar como hombres. Uno intentando seducir y encandilar a la guapa del grupo, el otro se promete con un viejo millonario, no porque sea homosexual, sino porque le encanta el dinero y la idea de que le mantengan. Y que decir de la legendaria frase “nadie es perfecto”. Resume toda la ambigüedad en la que se enzarzan todos los personajes de la película.

Wilder dijo una vez que el ochenta por ciento de una película es guión y el otro veinte consiste en saber poner la cámara y procurar tener buenos actores. Con faldas y a lo loco tuvo ambas cosas. Puede parecerles que alcanzar la perfección es algo irreal o ficticio. Pero no hay duda de que la obra maestra de Wilder es una prueba de ello. Una prueba de la más exquisita y sofisticada perfección.

“Con faldas y a lo loco” La reina de las comedias. Análisis Parte 1

Billy Wilder es el autor de algunas de las películas más sublimes de la historia- El apartamento, Uno,dos,tres, El crepúsculo de los dioses…- y de por lo menos, otras cinco obras maestras donde podemos introducir, sin pretensión alguna, la palabra “perfección”. Además de añadir la tendencia y esfuerzo que tenía este pequeño y malévolo judío vienés de no aburrir a la gente, podremos comprender que se encuentre en lo más alto del podio, en aquel “Olimpo del Cine” que ya he mencionado en anteriores ocasiones.

Voy a dar por sentado que el lector ya esta entendido y ha visionado “Con faldas y a lo loco”, pero si no es el caso, no se preocupe, esta entrada no contiene spoilers de gran relevancia.

Quizás, no será tan ocioso recordar es que la película es legendaria en Hollywood debido a los problemas que Monroe le causó al cineasta vienés. Fue un rodaje calamitoso. Un rodaje que le hizo enfermar en su momento, pero que luego, años después, se sentiría inmensamente orgulloso para el resto de su vida. Wilder dijo una vez, en su tono habitual de sacrasmo:

“Tienes que ser ordenado para rodar el desorden; este fue el mejor desorden que tuvimos nunca”

Wilder quiso rodar Con faldas y a lo loco varios años antes. El proyecto estaba inspirado en una película alemana llamada Ellas somos nosotros. Y la verdad es que sólo fue una inspiración ya que sólo conservó la raíz de ese proyecto: dos músicos barones se enrolan en una orquesta de mujeres.

Toni Curtis, que anteriormente ya había demostrado su valía en la interpretación, junto a Jack Lemmon, que se alzó por encima de Frank Sinatra para el papel, encarnaron a Joe y Jerry. Que posteriormente se convertiran en Josephine y Daphne.

El trío de actores lo completó Marilyn, que se había entendido perfectamente bien con Wilder en el rodaje de La tentación vive arriba. Pero esta vez, Monroe lo vio como un enemigo. Cuando el director le decía como debía interpretar una escena, se ponía tan nerviosa que tenían que hacer hasta cuarenta tomas sólo para decir correctamente el texto más sencillo. Billy decidió pegar los diálogos en la escenografía, como muebles, pero ni aún así pudo con ellos.

Muchas veces se negaba a salir de su camerino hasta última hora de la tarde y su actitud le estaba costaba costando cientos de miles de dólares al proyecto. Wilder incluso se planteó substituir a la actriz por Mitzi Gaynor. Pero sabía que su Sugar Kane (el personaje interpretado por Monroe) era todo un hallazgo. Cuando ya no quería matar a Marilyn, dijo años después: “Cualquiera es capaz de recordar un diálogo, pero para llegar a un rodaje sin el texto aprendido y hacer la interpretación que hizo ella hay que ser una auténtica artista”.

Lemmon y Monroe se enlazaron en una buena amistad, pero Curtis la odiaba. Debido, en parte, a que el actor tuvo que comerse cuarenta muslos de pollo en una sola escena por culpa de los errores de Monroe. El 6 de agosto de 1973, declaró para el “New York“:

“Para citar a Billy Wilder, era una miserable niña de siete años. Egocéntrica: pensaba que todos los que hacían una película con ella eran simples comparsas […] Jack y yo teníamos que estar listos a las nueve de la mañana. Nos vestíamos de mujer, nos poníamos una especie de suspensorios de acero y nos pasábamos horas en peluquería y maquillaje, y ella se presentaba a las doce de la mañana o más tarde aún. Así de errática era. Jack y yo teníamos que clavar todas las tomas porque Billy nos dijo en privado que iba a coger la toma en la que ella estuviera bien, aunque nosotros estuviéramos rascándonos en ese momento”.

Voy a hacer un paréntesis en mi estudio para pedirles que lean mi anterior entrada acerca de Marilyn Monroe, para comprender su estado psíquico y emocional. Próximamente publicaré la segunda parte del estudio.

 

El infierno de Apocalypse Now: delante y tras las cámaras

Vietnam, 1969. El capitán Willard recibe la misión secreta de localizar y matar al coronel Kurtz (Marlon Brando), un condecorado y prestigioso oficial del ejército de los Estados Unidos. Y es que Kurtz, se ha vuelto loco, elude el control de sus superiores y ahora se ha convertido en el líder de un ejército de nativos, compuesto por vietnamitas del sur y soldados americanos en desbandada, en la despoblada región de la frontera camboyana. Willard (Michael Sheen) emprende la búsqueda remontando un río en plena selva a bordo de una patrullera. Y cuanto más se adentra en la selva, cuanto más se acerca a Kurtz, más parece que el horror de la guerra se adueña de él.

El multi-oscarizado Francis Ford Coppola fue el primer cineasta en atreverse a realizar una gran producción de la guerra de Vietnam. Y lo hizo de un modo independiente a las productoras,  ya que fue su propia productora,  la American Zoetrope, la que financió el film y por lo tanto, se rodó sin la intromisión ni apoyo del Pentágono, obligatorios hasta la actualidad en el cine bélico estadounidense.

Coppola afirmó que su objetivo era rodar una película totalmente lucrativa, pero el rodaje se convirtió en una auténtica pesadilla,  no sólo desde el punto de vista económico:

Para tener un ambiente parecido al de Vietnam, Coppola decidió viajar y trasladar todo el set de rodaje a Filipinas. Fue algo que desde el principio inducía al peligro y a la aventura, ya que el país no poseía la infraestructura necesaria. Por ejemplo, el equipo militar tuvo que conseguirse mediante tratos con el dictador de la época Marcos, que en ese momento, dirigía una guerra civil contra los “rebeldes comunistas”. Por lo tanto, eso conllevó a una interrupción constante a corto plazo del rodaje cuando se recibía la orden de mandar a los helicópteros hacia la guerra real.

Las circunstancias   hicieron difícil lograr la participación de grandes estrellas para los papeles protagonistas,  y después de que tres semanas más tarde, Harvey Keitel aceptara el papel, fue despedido por Coppola ya que no se ajustaba a la idea que tenia de Willard. En su lugar, fue contratado un por entonces, Michael Sheen. Un gran error, pero no fue nada comparado con lo que se avecinaba:

Un tifón devastador que destruyó las costosas escenografías, el ataque al corazón casi mortal de Sheen, la dificultad de trabajar con el excéntrico y extremadamente engordado Marlon Brando y los cambios constantes de guión por parte de Coppola, provocaron que el rodaje se alargara de cuatro a quince meses. Los 16 millones de presupuesto, se agotaron muy pronto. Cerca del colapso físico y psíquico de Coppola, tuvo que hipotecar su finca particular para poder reunir otra vez esa cifra.

Finalmente, a pesar del inmenso desastre en la crítica y su repercusión política y social, Apocalypse Now fue todo un éxito de taquillas. Además de llevarse la Palma de Oro del prestigioso Festival de Cannes y dos Oscar.

La psicodélica obra maestra del cine bélico,  esta llena de toques cada vez más irreales y oníricos,  con una fotografía impresionante.  Donde el final del viaje, en el corazón de las tinieblas, lo bueno y lo malo,  lo racional y lo irracional,  ya no se distinguen. La película en si, supone una oscura y expresionista metáfora del abandono de la civilización.

“Se levanta el viento”: trailer y despedida

Hoy se ha retransmitido el trailer en español de la que va a ser la última película del gran genio de la artesanía Hayao Miyazaki. Con 73 años,  el dibujante de anime japonés ha decidido retirarse indefinidamente sin ánimo de regresar ya que él mismo afirma que se encuentra “cansado”. Esa fue su declaración que hizo el pasado mes de septiembre.

El uso de las palabras “retiro indefinido” no estan seleccionadas al azar, ya que quién sabe si se le va a ocurrir alguna otra idea con la que no pueda contenerse. Pero las posibilidades son escasas; con 73 años de edad, su retiro era ya de esperar. Recuerden su grandiosa obra maestra “El viaje de Chihiro”, tras su atmosfera barroca y ornamentada, y tras su infinito abanico de color, hay un esfuerzo y un trabajo descomunal, ya que se emplearon técnicas tradicionales de animación con lo que conlleva a un trabajo de dibujo a mano inimaginable. Por lo que, teniendo en cuenta lo difícil que es hacer una película de animación de este calibre y aún más siendo anime… veo más que razonable, justificable y merecido un retiro del cine permanente.

Pero Miyazaki se va por todo lo alto con su nueva película, esta vez, innovando en el género bélico: “Se levanta el viento”. El 20 de julio de 2013, se estrenó en los cines japoneses la que iba a ser la película más recaudadora del año con un reembolso sólo en Japón de 116 millones de dólares (83 millones de euros). Una sustanciosa cantidad, pero la cinta bélica de Miyazaki no sólo ha traído unos buenos números en taquilla. También ha traído mucha polémica en el ámbito político, tanto en izquierdas como en derechas, por su contenido. Y la crítica,  se ha visto dividida entre el amor y el odio.

A pesar de sus contradicciones en Japón,  en Occidente la recepción ha sido totalmente diferente:

“La película es uno de los más ambiciosos, provocadores y polémicos proyectos de Miyazaki como también es uno de sus trabajos más bellos visualmente realizados”
The Asia-Pacific Journal, Matthew Penney 

La película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia, compitiendo por el León de Oro. Además de participar en la mayoría de los premios más prestigios, llegando a competir por el Oscar a la Mejor película de animación, aunque fue derrotada por lo nuevo de Disney: Frozen.

Pero la noticia es que hoy ha salido el trailer en español de la película. Aquí les dejo el link. Sólo queda esperar al 25 de abril para verla en cartelera. Por lo pronto,  a esperar con ansia y disfrutar del trailer.

Trailer en español “Se levanta el viento “

La vela en el viento: Marilyn Monroe

 “En Hollywood te pueden pagar 1.000 dólares por un beso, pero sólo 50 centavos por tu alma”.

Marilyn Monroe es una de las figuras más importantes del cine y un símbolo de el viejo Hollywood. Su inconfundible rostro mostraba una deslumbrante sonrisa en cada fotografía, en cada cuadro de Andy Warhol, en cada pose. Pero aquella felicidad es solo una cortina de humo. ¿Qué se oculta bajo ese velo?

La verdad es que, inexplicablemente,  Monroe fue una mujer triste. La fatiga, la depresión y su profundo pesimismo, fueron los frutos de su extremadamente sensibilidad y su dotada inteligencia, que la acorralaron hasta perder la esperanza en sí misma y las ganas de seguir luchando. Y de este modo, suicidarse la madrugada del 4 al 5 de agosto de 1962 en su casa de Los Ángeles,  un hogar sencillo incluso bohemio, con una inscripción en latín en la entrada que decía: Cursum perficio,  traducido como “aquí acaba el viaje”.

 “Hay algo sorprendente en ella: su absoluta, irremediable, a veces intolerable, incapacidad para mentir”.

Así la describía la que fue quizás,  la persona que más pudo comprenderla: Arthur Miller. Monroe fue una poeta callejera, tenia una fuerte tendencia a escribir, ya sea en verso o en prosa, todo lo que sentía,  todo lo que pensaba,  sus penas y sus desgracias,  todo. Un recopilatorio de sus poemas y escritos, confirma rotundamente que a sus 36 años,  Marilyn estaba excesivamente cansada. Todo apuntaba al  mayor de los cansancios: la soledad. Y ustedes se preguntarán,  ¿como podía sentirse sola la mujer más querida del mundo? Algo imposible de creer, pero la más insólita verdad revela que fue una mujer terriblemente insegura y asustada, que necesitaba a los demás para buscarse a sí misma, pero que jamás encontró consuelo, sintiéndose atrapada entre la espada y la pared, la tradición o el abandono. Ni sus tres maridos, ni sus múltiples amantes como Frank Sinatra,  Elia Kazan o los hermanos Kennedy pudo llegar a comprenderla ni a concederle la paz que ansiaba.

Socorro, socorro.
Socorro.
Siento que la vida se me acerca
Cuando lo único que quiero es morir.

Marilyn gritaba auxilio a los cuatro vientos, pero nadie quería escucharla: ni sus amantes, ni sus admiradores, y muchísimo menos los estudios de Hollywood, donde Marilyn se convirtió en una figura ingobernable, que explotó en rebeldía en forma de falta de profesionalidad,  impuntialidad y un autodestructivo caos. El rodaje de “Con faldas y a lo loco” en 1959, fue un auténtico infierno tanto para ella como para todo el personal y del cuál Wilder recuerdo con muy mal gusto ya que tanto la vida, como la carrera de la estrella llegaban a su fin. No se memorizaba los guiones, llegaba horas tarde, incluso bebida a veces, su nombre se vio difamado y todo por aquel sufrimiento que sólo la muerte pudo consolar.

Nembrutal. Esas fueron las pastillas que el día de su suicidio su psiquiatra le acababa de reponer para frenar sus días sin descanso. Esa misma madrugada,  Marilyn ingerió un frasco entero de esas pastillas y su sufrimiento terminó. Me gustaría que descartaran de sus mentes, sin alguna vez las hubo, las teorías conspirativas acerca de un asesinato provocado por la mafia.

Y de ese modo, el dolor que padecía aquella gran diosa, cesó para siempre.

“No es tan divertido conocerse demasiado o creer que se conoce uno demasiado -todo el mundo necesita un poco de amor propio para superar las caídas y dejarlas atrás”. Marilyn Monroe

La eterna Casablanca

El 26 de Noviembre de 1942 se estrenó otra de las decenas y decenas de producciones anuales de la industria hollywodense: Casablanca. Ésta no era más que otra simple película, con unos ingredientes determinados, para lograr una sustancios recaudación y destacar tanto en la crítica como en los Oscar. Esos mencionados ingredientes del éxito son: unas estrellas protagonistas, unos notables guionistas, un director de renombre y una productora que pueda proporcionar financiación tanto para costes, como para un despliegue publicitario.

Pero el resultado fue más que anormal: a pesar de no haver conquistado a toda la crítica,  los resultados en el ámbito económico fueron estelares, cerrando sus números de recaudación en 1955 con 6,8 millones de dólares,  uma de las películas más rentables de la Warner. El público la aplaudió y quedó enamorado de Casablanca,  y por si no fuera poco, la guinda del pastel fue cuando triunfó en los Oscar llevándose 3 estatuillas a la mejor película,  mejor director y mejor guión adaptado.

Ese éxito no fue pasajero, el nombre de Casablanca perduró. Hasta el día de hoy. 72 años han pasado y la obra maestra de Curtiz se mantiene intacta, fresca, pero con mucho, muchísimo más prestigio, hasta el punto de ser considerasa una de las mejores películas de la historia del cine por el AFI.

Y es que Casablanca tiene todos los números para ser seriamente considerada como una de las mejores películas de la historia del cine. Y cuando hablo de “seriamente” hablo de calificarla entre las 5 mejores. Las carismáticas e intensas  interpretaciones de los protagonistas, la profundidad de sus personajes,  la intensidad de la obra, la ocurrencia y minuciosidad del guión,  la perfecta dirección de Michael Curtiz y el gran impacto tanto social como técnico que ha tenido en el cine son algunos de los axiomas que hacen de este simplón producto hollywodense, una verdadera joya del séptimo arte.

Pero, ¿que hace este drama romántico para cautivar a todo cinéfilo? ¿que tendrá? Es el conjuntomde cosas, desde la más pequeña y detallista de las cosas hasta la más amplia generalización. Empezando por los ojos de Bergman. Aquellos dos destellos procedentes de una de las diosas de la interpretación, aquella mirada fría y distante, pero cálida y pasional. Puro magnetismo. La interpretación más intensa y sensible de la musa.

Sería un crimen no mencionar al cínico galán de cigarrillo entre los dedos. Sin duda, está espectacular en ese papel tan característico suyo. Inmensamente superior a su posterior interpretación en “La reina de África” la que le valió para el Oscar. Toda una decepción por parte de la Academia que no se lo entregaran.

La majestuosidas de la atmósfera romántica-neo noir alcanza su perfección gracias a sus sobredosis de interpretación (por parte de todo su elenco), al maravilloso uso de la cámara,  a sus diálogo… pero una de las maravillas de esta película es su banda sonora; poderosa y cautivadora emocionalmente. Pero su pieza más emblemática es aquella melancólica canción: “Play it, Sam. Play it”…: “As time goes by” es una de las maravillas del amplio abanico de canciones del cine. Un clásico. Tan característico, tan singular. Será recordado como el soundtrack de aquella película: La eterna Casablanca.

Ridley Scott: el genio, el mito y sus próximas secuelas

Ridley Scott es uno de los directores más respetados de la industria cinematográfica moderna por haber legado obras maestras de la ciencia ficción como “Blade Runner” y “Alien”, ambas consideradas obras de culto. “Gladiator” también supone otra de las piezas claves de la filmografia del director;  un film que roza la excelencia y revive la esencia del género de romanos.  Pero la carrera artística del director no resulta tan destacable y mucho menos admirable.

¿Genio o mito? Una carrera de más de 40 año tras las cámaras, con tres joyas del cine contemporáneo, deberían bastar para considerar al cineasta un verdadero prodigio. Pero hay críticos y cinefilos que no creen en ello, pues Scott es una moneda de dos caras, y sus 3 obras maestras se ven reducidas y ensombrecidas por una serie de películas mediocres que deshonran el prestigio del director.

La montaña rusa de éxitos y fracasos de Scott puede hacer dudar de la genialidad del cineasta a cualquiera. Tras una película notable, se avecina una sucesión de fracasos y películas mediocres hasta que regresa con otro signo de excelencia. ¿A que se deben estos desniveles de calidad? Me vienen a la cabeza dos razones: la primera, puede deberse a la necesidad de subsitir y sobrevivir a la jungla de Hollywood ya sea por dinero o por querer dejar huella, pero esa ansia puede acabar por destruir a la última. Este primer razonamiento es muy común entre las viejas estrellas, Al Pacino,  Robert de Niro,  Sylvester Stallone o Arnold Schwarzenegger. Y el segundo razonamiento que me viene a la cabeza es el mal gusto por firmar contratos y/o las pretenciosas expectativas que tiene de la película.

Ni la Academia ni crítica lo ha mimado nunca que digamos. El nombre del caballero inglés no les influye ni les proyecta respeto. A pesar de sus 3 nominaciones, nunca ha sido premiado con el Oscar. Y cuando le llegó la oportunidad de oro para alcanzar su preciada estatuilla con “Gladiator”,  un desconocido Soderbergh se lo arrebató de las manos contra todo pronóstico.  A estas alturas, con 76 años, no parece que vaya a llegarle su correspondido reconocimiento  y quizás pasará a la historia como otro de los grandes castigados por la Academia, como Hitchcock o Toole.

A finales de este 2014, el caballero inglés nos presenta su próximo intento para hacerse con el Oscar y volver a alzar su reputación: “Exodus”. Lo nuevonde Scott, cuenta con actores de la talla del oscarizado Christian Bale, el fenómeno Aaron Paul o actores de inmenso renombre como Sigourney Weaver o Ben Kingsley además del guionista de la obra maestra “La lista de Schindler”. “Exodus”,  tiene todos los números para ser un espectacular blockbuster, además de ser un peso pesado en la próxima edición de los Oscar.

Pero “Exodus” no es el proyecto que realmente me fascina. Como ya he dicho anteriormente, una de las piedras angulares del director es la magistral “Blade Runner” la cual en 2012 afirmó que abría una secuela de esta. A paso lento, el proyecto sigue hacia adelante; Harrison Ford y Scott estuvieron hablando acerca del regreso del actor para volver a meterse en la piel de protagonista de la anterior, Rick Deckard. Pero para bien o para mal, Scott afirmó que la secuela prevista para antes del 2016, no estaría enfocada en el personaje se Ford.

Además de este, Scott tiene otro proyecto en mente que ha confirmado esta última semana: la secuela de “Prometheus” y otra precuela de la exitosa saga de Alien. Esta nueva entrega está prevista para marzo de 2016, después de haber realizado la secuela se “Blade runner”.

Pero por lo pronto,  primero tendremos que degustar el nuevo proyecto de este diamante en bruto que nos llegará a los cines en diciembre de 2014.