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Genios visionarios Vol.1: Quentin Tarantino

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Todo empezó en 1992, cuando aquel, por entonces, desconocido Quentin Tarantino estreno en uno de los peores cines de Park City ,que no merece la pena ni mencionar, Reservoir Dogs. Aquella película fue un auténtico boom. El escándalo que creó en el Festival de Sundance no pudo ser mayor. Y es que era un filme decididamente opuesto al espíritu del festival, con su explosión de humor negro nihilista, y tales dosis de violencia, lenguaje soez y virilidad que muchos espectadores no la soportaron hasta los títulos de los créditos finales. Aquella película era tan políticamente incorrecta que no contenía ni una sola frase pronunciada por una mujer, y empleaba la palabra “nigger”(negrata) en quince ocasiones. Además de una escena en la que un ladrón y asesino baila al ritmo de “Stuck in the Middle With You” mientras le corta una oreja a un policía por pura diversión.Aquella película fue tan polemizada que los revendedores empezaron a pedir cien dólares por entrada para los cinco pases del filme.

Pero aquel joven director que llevaba trece años intentando entrar en la industria, fue catapultado al estrellato con aquella película para regresar de nuevo en 1994 con la mejor película de los últimos veinte años: Pulp Fiction. Aquello fueron palabras mayores; el Festival de Sundance quedó atrás para ser aplaudido por el Festival de Cannes y congratulado con el Oscar al Mejor Guión Original.

Pulp Fiction / Pulp Fiction

Y desde entonces, la carrera de uno de los genios innovadores de los últimos tiempos ha ido in crescendo. Con una filmografía exquisita, impecable, sin ninguna película “mala”. Y sobretodo, diferente a todo lo que hemos visto. Película tras película, aquel genio sigue sorprendiéndonos a base de sobredosis de  excelencia y ocurrencia. Pues sus filmes son auténticas delicias con una trama fastuosa, una dirección ágil  y fluida, con una banda sonora mágica y unas interpretaciones,a nivel de reparto, insuperables. Pero lo mejor de sus películas, la crème de la crème, son sus guiones.

Su talento para la narrativa es incuestionable, y cualquier crítica negativa o insulto hacia sus deslumbrantes diálogos, blasfémico. Pues el modo de contar una historia cobró otra dimensión el día en que Tarantino decidió “bendecirnos” con su existencia. Woody Allen debe estar retorciéndose de la envidia. Su humor pseudointelectual y sus diálogos delirantes quedan aplacados y destrozados con tan sólo un debate acerca de la hamburguesa “Cuarto de libra con queso”. Y es que cada uno de sus guiones derrochan originalidad e ingenio en cada frase, en cada discurso y en cada diálogo.

La riqueza de personajes también es otra de las características de sus películas. Quizás nunca hayan visto, ni volvamos a ver, tanta variedad de matices y personajes juntos como sucede en Pulp Fiction. Nunca verán un personaje vacío y superficial, o una interpretación plana. Y si es así, como es en el caso de la saga Kill Bill, es porqué el maestro de la estética no sólo lo ha usado como un recurso artístico, también ha querido que sea así, mostrándonos a una asesina despiadada y -en un principio- sin corazón ni moral.

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Si las películas de Tarantino destacan por sus descomunales guiones y por sus increíbles interpretaciones, también lo hacen por una frenética y majestuosa técnica para la dirección y el montaje. Si alguna de sus películas se te hace “lenta” o “aburrida”, tenemos un problema muy grande. Su narrativa viene acompañada por un uso de la cámara realmente mágico y alejado del estilo tradicional. Con una brisa al estilo Segio Leone(una de sus influencias), Tarantino nos deleita en cada una de sus obras, con una técnica tras las cámaras dinámica y diligente, poniendo extremada minuciosidad en cada plano, fotografiando tanto los paisajes como a sus actores a todo color. Y usando los colores oscuros y los blanco y negro como recursos meramente artísticos.

Pasando por la ironía, y el sarcasmo, la crítica social y la violencia desenfrenada, la moral y lo inmoral, lo racional y lo irracional.  Sus películas han hecho y harán que el cineasta cargue en su espalda la controversia del público. Hay quienes lo odian y hay quienes lo aman. Pero lo que todos, los dos bandos, deberían de estar de acuerdo es en que Tarantino es un creador de lenguaje cinematográfico. Y me arriesgaría a decir que a la altura del gran Orson Welles por su técnica e influencia.

Y finalmente, concluyo mi entrada preguntándoles cuales son sus películas favoritas del director. Aquí les dejo una encuesta con un máximo de tres votos.

 

“Con faldas y a lo loco” La reina de las comedias. Análisis Parte 1

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Billy Wilder es el autor de algunas de las películas más sublimes de la historia- El apartamento, Uno,dos,tres, El crepúsculo de los dioses…- y de por lo menos, otras cinco obras maestras donde podemos introducir, sin pretensión alguna, la palabra “perfección”. Además de añadir la tendencia y esfuerzo que tenía este pequeño y malévolo judío vienés de no aburrir a la gente, podremos comprender que se encuentre en lo más alto del podio, en aquel “Olimpo del Cine” que ya he mencionado en anteriores ocasiones.

Voy a dar por sentado que el lector ya esta entendido y ha visionado “Con faldas y a lo loco”, pero si no es el caso, no se preocupe, esta entrada no contiene spoilers de gran relevancia.

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Quizás, no será tan ocioso recordar es que la película es legendaria en Hollywood debido a los problemas que Monroe le causó al cineasta vienés. Fue un rodaje calamitoso. Un rodaje que le hizo enfermar en su momento, pero que luego, años después, se sentiría inmensamente orgulloso para el resto de su vida. Wilder dijo una vez, en su tono habitual de sacrasmo:

“Tienes que ser ordenado para rodar el desorden; este fue el mejor desorden que tuvimos nunca”

Wilder quiso rodar Con faldas y a lo loco varios años antes. El proyecto estaba inspirado en una película alemana llamada Ellas somos nosotros. Y la verdad es que sólo fue una inspiración ya que sólo conservó la raíz de ese proyecto: dos músicos barones se enrolan en una orquesta de mujeres.

Toni Curtis, que anteriormente ya había demostrado su valía en la interpretación, junto a Jack Lemmon, que se alzó por encima de Frank Sinatra para el papel, encarnaron a Joe y Jerry. Que posteriormente se convertiran en Josephine y Daphne.

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El trío de actores lo completó Marilyn, que se había entendido perfectamente bien con Wilder en el rodaje de La tentación vive arriba. Pero esta vez, Monroe lo vio como un enemigo. Cuando el director le decía como debía interpretar una escena, se ponía tan nerviosa que tenían que hacer hasta cuarenta tomas sólo para decir correctamente el texto más sencillo. Billy decidió pegar los diálogos en la escenografía, como muebles, pero ni aún así pudo con ellos.

Muchas veces se negaba a salir de su camerino hasta última hora de la tarde y su actitud le estaba costaba costando cientos de miles de dólares al proyecto. Wilder incluso se planteó substituir a la actriz por Mitzi Gaynor. Pero sabía que su Sugar Kane (el personaje interpretado por Monroe) era todo un hallazgo. Cuando ya no quería matar a Marilyn, dijo años después: “Cualquiera es capaz de recordar un diálogo, pero para llegar a un rodaje sin el texto aprendido y hacer la interpretación que hizo ella hay que ser una auténtica artista”.

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Lemmon y Monroe se enlazaron en una buena amistad, pero Curtis la odiaba. Debido, en parte, a que el actor tuvo que comerse cuarenta muslos de pollo en una sola escena por culpa de los errores de Monroe. El 6 de agosto de 1973, declaró para el “New York“:

Para citar a Billy Wilder, era una miserable niña de siete años. Egocéntrica: pensaba que todos los que hacían una película con ella eran simples comparsas […] Jack y yo teníamos que estar listos a las nueve de la mañana. Nos vestíamos de mujer, nos poníamos una especie de suspensorios de acero y nos pasábamos horas en peluquería y maquillaje, y ella se presentaba a las doce de la mañana o más tarde aún. Así de errática era. Jack y yo teníamos que clavar todas las tomas porque Billy nos dijo en privado que iba a coger la toma en la que ella estuviera bien, aunque nosotros estuviéramos rascándonos en ese momento”.

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Voy a hacer un paréntesis en mi estudio para pedirles que lean mi anterior entrada acerca de Marilyn Monroe, para comprender su estado psíquico y emocional. Próximamente publicaré la segunda parte del estudio.

 

La eterna Casablanca

El 26 de Noviembre de 1942 se estrenó otra de las decenas y decenas de producciones anuales de la industria hollywodense: Casablanca. Ésta no era más que otra simple película, con unos ingredientes determinados, para lograr una sustancios recaudación y destacar tanto en la crítica como en los Oscar. Esos mencionados ingredientes del éxito son: unas estrellas protagonistas, unos notables guionistas, un director de renombre y una productora que pueda proporcionar financiación tanto para costes, como para un despliegue publicitario.

Pero el resultado fue más que anormal: a pesar de no haver conquistado a toda la crítica,  los resultados en el ámbito económico fueron estelares, cerrando sus números de recaudación en 1955 con 6,8 millones de dólares,  uma de las películas más rentables de la Warner. El público la aplaudió y quedó enamorado de Casablanca,  y por si no fuera poco, la guinda del pastel fue cuando triunfó en los Oscar llevándose 3 estatuillas a la mejor película,  mejor director y mejor guión adaptado.

Ese éxito no fue pasajero, el nombre de Casablanca perduró. Hasta el día de hoy. 72 años han pasado y la obra maestra de Curtiz se mantiene intacta, fresca, pero con mucho, muchísimo más prestigio, hasta el punto de ser considerasa una de las mejores películas de la historia del cine por el AFI.

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Y es que Casablanca tiene todos los números para ser seriamente considerada como una de las mejores películas de la historia del cine. Y cuando hablo de “seriamente” hablo de calificarla entre las 5 mejores. Las carismáticas e intensas  interpretaciones de los protagonistas, la profundidad de sus personajes,  la intensidad de la obra, la ocurrencia y minuciosidad del guión,  la perfecta dirección de Michael Curtiz y el gran impacto tanto social como técnico que ha tenido en el cine son algunos de los axiomas que hacen de este simplón producto hollywodense, una verdadera joya del séptimo arte.

Pero, ¿que hace este drama romántico para cautivar a todo cinéfilo? ¿que tendrá? Es el conjuntomde cosas, desde la más pequeña y detallista de las cosas hasta la más amplia generalización. Empezando por los ojos de Bergman. Aquellos dos destellos procedentes de una de las diosas de la interpretación, aquella mirada fría y distante, pero cálida y pasional. Puro magnetismo. La interpretación más intensa y sensible de la musa.

Sería un crimen no mencionar al cínico galán de cigarrillo entre los dedos. Sin duda, está espectacular en ese papel tan característico suyo. Inmensamente superior a su posterior interpretación en “La reina de África” la que le valió para el Oscar. Toda una decepción por parte de la Academia que no se lo entregaran.

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La majestuosidas de la atmósfera romántica-neo noir alcanza su perfección gracias a sus sobredosis de interpretación (por parte de todo su elenco), al maravilloso uso de la cámara,  a sus diálogo… pero una de las maravillas de esta película es su banda sonora; poderosa y cautivadora emocionalmente. Pero su pieza más emblemática es aquella melancólica canción: “Play it, Sam. Play it”…: “As time goes by” es una de las maravillas del amplio abanico de canciones del cine. Un clásico. Tan característico, tan singular. Será recordado como el soundtrack de aquella película: La eterna Casablanca.

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Ridley Scott: el genio, el mito y sus próximas secuelas

Ridley Scott es uno de los directores más respetados de la industria cinematográfica moderna por haber legado obras maestras de la ciencia ficción como “Blade Runner” y “Alien”, ambas consideradas obras de culto. “Gladiator” también supone otra de las piezas claves de la filmografia del director;  un film que roza la excelencia y revive la esencia del género de romanos.  Pero la carrera artística del director no resulta tan destacable y mucho menos admirable.

¿Genio o mito? Una carrera de más de 40 año tras las cámaras, con tres joyas del cine contemporáneo, deberían bastar para considerar al cineasta un verdadero prodigio. Pero hay críticos y cinefilos que no creen en ello, pues Scott es una moneda de dos caras, y sus 3 obras maestras se ven reducidas y ensombrecidas por una serie de películas mediocres que deshonran el prestigio del director.

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La montaña rusa de éxitos y fracasos de Scott puede hacer dudar de la genialidad del cineasta a cualquiera. Tras una película notable, se avecina una sucesión de fracasos y películas mediocres hasta que regresa con otro signo de excelencia. ¿A que se deben estos desniveles de calidad? Me vienen a la cabeza dos razones: la primera, puede deberse a la necesidad de subsitir y sobrevivir a la jungla de Hollywood ya sea por dinero o por querer dejar huella, pero esa ansia puede acabar por destruir a la última. Este primer razonamiento es muy común entre las viejas estrellas, Al Pacino,  Robert de Niro,  Sylvester Stallone o Arnold Schwarzenegger. Y el segundo razonamiento que me viene a la cabeza es el mal gusto por firmar contratos y/o las pretenciosas expectativas que tiene de la película.

Ni la Academia ni crítica lo ha mimado nunca que digamos. El nombre del caballero inglés no les influye ni les proyecta respeto. A pesar de sus 3 nominaciones, nunca ha sido premiado con el Oscar. Y cuando le llegó la oportunidad de oro para alcanzar su preciada estatuilla con “Gladiator”,  un desconocido Soderbergh se lo arrebató de las manos contra todo pronóstico.  A estas alturas, con 76 años, no parece que vaya a llegarle su correspondido reconocimiento  y quizás pasará a la historia como otro de los grandes castigados por la Academia, como Hitchcock o Toole.

A finales de este 2014, el caballero inglés nos presenta su próximo intento para hacerse con el Oscar y volver a alzar su reputación: “Exodus”. Lo nuevonde Scott, cuenta con actores de la talla del oscarizado Christian Bale, el fenómeno Aaron Paul o actores de inmenso renombre como Sigourney Weaver o Ben Kingsley además del guionista de la obra maestra “La lista de Schindler”. “Exodus”,  tiene todos los números para ser un espectacular blockbuster, además de ser un peso pesado en la próxima edición de los Oscar.

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Pero “Exodus” no es el proyecto que realmente me fascina. Como ya he dicho anteriormente, una de las piedras angulares del director es la magistral “Blade Runner” la cual en 2012 afirmó que abría una secuela de esta. A paso lento, el proyecto sigue hacia adelante; Harrison Ford y Scott estuvieron hablando acerca del regreso del actor para volver a meterse en la piel de protagonista de la anterior, Rick Deckard. Pero para bien o para mal, Scott afirmó que la secuela prevista para antes del 2016, no estaría enfocada en el personaje se Ford.

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Además de este, Scott tiene otro proyecto en mente que ha confirmado esta última semana: la secuela de “Prometheus” y otra precuela de la exitosa saga de Alien. Esta nueva entrega está prevista para marzo de 2016, después de haber realizado la secuela se “Blade runner”.

Pero por lo pronto,  primero tendremos que degustar el nuevo proyecto de este diamante en bruto que nos llegará a los cines en diciembre de 2014.

Los 5 titanes del Cine Clásico

Mientras el mundo padecía y los pilares de la política y la economía se derrumbaban, el cine vivía su máximo apogeo en el viejo Hollywood. Bajo el poder de las grandes productoras, los cineastas ponían toda la carne en el asadero para ascender hasta la cima de la industria.

Muchos triunfaron, otros fueron olvidados con el tiempo, pero solo una minoría se asentaron en el Olimpo del cine. Algunos miembros de este selecto grupo de genios pasaron a la historia por su técnica, otros por la profundidad y/o elaboración de sus películas y otros por estar genialmente locos.

En este post les propongo una lista, totalmente subjetiva, de los directores que considero que han destacado más por su relevancia en este periodo, la Era Dorada del cine.

5. Frank Capra
Capra fue uno de los cineastas más reconocidos de la época dorada de Hollywood.  Las películas del cineasta italiano fueron, en su mayor parte, un éxito de taquillas, de crítica y público. Y es que Frank supo mantenerse siempre en la cima con sus explosivas comedias rodeado de sus estrellas que él mismo propulsóna a la fama, como: James Stewart, Gary Cooper o Cary Grant.

Sus guiones y sus simples tramas le valieron para colocarse en el Olimpo con 5 Oscars y obras maestras de la comedia como: “Sucedió una noche”,” Vive como quieras”, “Arsénico por compasión” o “La fiera de mi niña”. Pero no sólo se popularizó por sus comedias. “¡Qué bello es vivir!”, la película más vista en navidades de la historia del cine,  es quizás su obra más emblemática. Conmovedora y poderosa.

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4. Orson Welles
Quizás el director más importante del siglo XX en cuanto a lo referente a la revolucionaria técnica y en la innovación del lenguaje cinematográfico. Fue un cineasta realmente versátil, tanto en la dirección,  como en el papel de guionista. Tan infravalorado en su relevancia como sobrevalorado en lo referente a sus películas.  No podemos negar que “Ciudadano Kane” es un gigante del cine, pero veo un despropósito que se la considere como la mejor película de la historia, como afirma AFI.

Otras obras a mencionar son: “Sed de mal” o “La dama de Shangai”.

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3.John Ford
Una palabra que describa al viejo Ford es sin duda el mismo género que creó: western. Moldeó, talló, fundó y dio prestigio a un género menor, infravalorado por la Academia y sin embargo, alabado por los cinefilos. Y es que el mejor director que ha visto el western se ganó su prestigio no gracias al género que lo popularizó,  sino gracias a conmovedores dramas como: “Las uvas de la ira” y “El hombre tranquilo”. También dirigió obras maestras del western como: “Centauros del desierto”, “La diligencia”, “El hombre que mató a Liberty Valance”

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2. Alfred Hitchcock
El maestro del suspense Hitchcock ha logrado una trayectoria cinematográfica perfecta, manteniéndose siempre en la cima y destilando la misma calidad década tras década. Creador de lenguaje y padre del género del suspense, Sir Alfred Hitchcock se vanagloria de grandes películas con una técnica y argumento exquisitos creadas a base de una narrativa perfecta, una dirección sobresaliente y unas interpretaciones sublimes.

“Con la muerte en los talones”, “La soga”, “Vertigo (de entre los muertos)”, “Los pájaros”, “La ventana indiscreta”, “Crimen perfecto”. Todas ellas obras cumbres del director, magníficas,  soberbias.  Pero un escalón más arriba, se encuentra la insuperable “Psicosis”.

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1. Billy Wilder
Quizás el director más importante de la historia del cine por su amplia versatilidad y sus minuciosos guiones. ¿Drama o comedia? Wilder destacó por sus magistrales comedias tan delirantes y ocurrentes que destila la más exquisita calidad diálogo tras diálogo. Pero sus dramas tampoco se quedan atrás. Giros argumentales, intriga, crimen, interpretación y ingenio.  Ingredientes que juntos, crean las que algunas de ellas,  estan consideradas como auténticas obras de arte y máximos exponentes en su género.

Sus piedras angulares: “Con faldas y a lo loco”, “Uno, dos, tres”, “El crepúsculo de los dioses”, “Primera plana”, “Testigo de cargo”…

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2013, mirar hacia atrás

A estas alturas de marzo os parecerá algo anacrónico que escriba un resumen del 2013, pero yo creo que con la mente fría las cosas se hacen de un modo más objetivo y menos subjetivo por lo que ahí voy:

No hace falta una extensa meditación para darse cuenta de que el 2013 ha sido un buen año para el cine, mucho mejor que el anterior desde luego, con películas notables y un par de excelentes.

Scorsese, Allen, Howard, Tornatore, Jackson. 2013 ha supuesto el retorno de grandes y medianos directores de renombre en el gran Hollywood. Dicaprio, Blanchett, Jackman, McConaughey, Rush… Actores y actrices de gran talento y reconocidos mundialmente. Pero este año ha destacado por la emergencia de nuevos y/o desconocidos talentos en la industria; Exarchopoulos, Seydoux, Leto, Vallée, Jonze…

Pero generalizemos y vayamos al grano; La vida de Adele es una delicia y una lección de sensibilidad, Blue Jasmine es una sobredosis de interpretación, El lobo de Wall Street es arrolladora, frenética y exuberante. Her es talento y sentimiento en estado puro, Prisioneros es un perfecto homenaje a Se7en y Dallas Buyers Club es fascinante por cada uno de los rasgos y matices de su duo de actores.

Pero todo este derroche de arte se ve mancillado por la inmensamente sobrevalorada Gravity. Pero su carencia de argumento, guión y interpretación (basta con visualizar un minuto de lo nuevo de Clooney) se ve compensada con su impresionante parte técnica, con sus 7 Oscars, bien merecidos. Verla en un cine es gozar de satisfacción al saber que no has derrochado tus 9 euros de entrada más 3D. Pero como calidad cinematografica clásica (interpretación, guión, trama) deja mucho que desear.

Y vosotros, ¿qué opinais? ¿Qué opináis del 2013 cinematográficamente, creeis que Gravity es una buena película, cuáles han sido vuestras favoritas del 2013?

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